Historia de la Fotografía y sus autores

FERNANDO NAVARRO.

Fernando Navarro fotográfo español  nacido en 1867 y muerto en 1944, desarrolló toda su carrera profesional en su población de nacimiento, Totana (Murcia). Alternó su labor de fotógrafo con actividades como la escultura en madera y la ebanistería, regentando la carpintería famliar, así como su propia imprenta.

Becado por el Ayuntamiento de Totana realizó estudios de dibujo en Valencia, 1890, donde pudo entrar en contacto con los ambientes artísticos de la ciudad para conocer las corrientes del momento, así como otras que se habían desarrollado a lo largo de la historia del arte. A su vuelta abriría un estudio fotográfico en Totana, contando con la estimable ayuda de su esposa, Narcisa Martínez, encargada de la disposición de los personajes y la realización del atrezzo.

Exponente de la fotografía popular, su actividad fotográfica se centra en el documentalismo social de su población, así como en el retrato fotográfico, al igual que otros muchos fotógrafos comerciales de la época. Sin embargo, hay en su obra algo mágico que es capaz de convertir en universal unas imágenes destinadas en principio a no superar los límites de lo local. Son sus inquietudes estéticas, un dominio perfecto de la composición de los grupos, pero sobre todo su capacidad de armonizar la vida y la muerte de su fotografía de difuntos.

Su actividad fotográfica se desarrolló entre los años 1885 y 1916 siguiendo teorías propias de la fotografía academicista, aunque sin caer en los excesos de artificiosidad y de afectación de los grandes representantes de esta corriente que lo acercan a una realidad menos idealizada.

Su obra más famosa es Retrato de grupo con difunta,1900, constituye un retrato familiar presentado con un enorme respeto y donde la difunta presente es un familiar más en la composición planteada por el auotr. Obra monumental construida siguiendo técnicas ya utilizadas en la pintura para ensalzar la muerte de personajes famosos (grandes artistas, monarcas, personajes literarios,...) posee una gran hondura trágica, donde parece desvanecerse la diferencia entre muerte y vida en los rostros de los personajes.

Como escultor destacan sus tallas de una imagen de la Purísima y el trono procesional para la Hermandad de Santa María Clofé de Totana, 1890, trabajo realizado aplicando formas modernistas de latiguillos vegetales.

En el año 1916 abandona la fotografía cerrando su estudio fotográfico ante el desarrollo de las posibilidades de la fotografía de aficionados.

Desconocida su obra en los círculos internacionales de la fotografía y olvidada en su localidad tras el cierre de su estudio, su familia supo conservar su legado en una caja de lata destinada al fondo de un cajón. En los escasos restos de su biblioteca se conservan algunos ejemplares de la revista especializada La Fotografía publicada en el Madrid de principios del siglo XX, lo que pone de manifiesto las inquietudes estéticas y técnicas de este autor.

Su obra ha sido rescatada del olvido en pleno siglo XXI gracias a la labor investigadora realizada por el también fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos, director del Cehifrom, para la exposición La imagen rescatada. 1863-1940, fotografía en la región de Murcia.  

RICHARD AVEDON

Richard Avedon, famoso por sus retratos, tanto de modelos como de políticos o personajes anónimos falleció en San Antonio, Texas, por una hemorragia cerebral. Tenía 81 años y realizaba un trabajo para "The New Yorker".

Nacido en 1923, en Nueva York, Richard Avedon fue pronto conocido por sus mordaces retratos y fotografías de moda. En los años cincuenta destacó por sus fotografías mordaces en "Harper´s Bazaar". Luego fue fotógrafo de Vogue. Retrató personajes famosos como Chaplin, Truman Capote, Eisenhower o Marilyn Monroe; a quienes reflejó con imágenes de gran calidad artística y agudeza sicológica.

En los últimos años se han presentado en museos e importantes salas de exposiciones distintas muestras dedicadas a Avedón. Una de las últimas, tuvo lugar en el 2002, cuando la Fundación La Caixa trajo a España una excelente exposición del fotógrafo, con una sorprendente serie de retratos, básicamente de individuos marginales del Oeste americano.

El oeste americano y Avedon

Richard Avedon recorrió 17 estados del Oeste buscando rostros. Rostros de mineros, de amas de casa, de carniceros, de vagabundos. Creó así una asombrosa teoría de personajes que le consolidó como uno de los retratistas más famosos del siglo XX.

Fotografió a 752 personas, en 189 poblaciones. El resultado fue "In the American West" un documento gráfico fuera de lo común.

El trabajo fue una propuesta del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, que ya poseía una excelente colección de imágenes fotográficas de los siglos XIX y XX. Mitchell A. Wilder, director del centro, encargó a Avedon el proyecto, después de ver el retrato que había hecho a Wilbur Powell, capataz de rancho.

Mitchell A. Wilder jamás llegaría a ver el trabajo que encargó, pues murió en el mismo año del encargo, 1979.

Cuando marchó al Oeste, Avedon entró en los pueblos, en los rodeos, en bares de carretera, en minas, corrales, ferias y campos petrolíferos en busca de rostros, en busca de esos seres anónimos que nutren la vida de un territorio y que nunca han protagonizado las cónicas sociales.

No buscó el paisaje, ni la botánica, sino al hombre. los especímenes peculiares que poblaban aquel mundo que siempre se evoca como sinónimo de aventura. Y halló -en sus retratos individuales- un Oeste que no es más verdad ni más mentira que el que han retratado otros escritores o directores de cine; pero que tampoco es menos espectacular.

Colocó a sus modelos delante de una pantalla de papel blanco, de tres metros de largo por dos de alto y los fotografíó, en la sombra, para que el sol no alterase con sus contraluces ni zonas de sombra el aspecto de las cosas. Utilizó una cámara fotográfica panorámica de 8 por 10, sobre trípode.

Avedon se situaba al lado de la cámara, no detrás, y muy cerca del modelo, a sólo 1,25 metros de él. El primer retrato fue el de Boyd Fortin, desollador de serpientes. Lo hizo en Texas, en marzo de 1979.

Siempre hizo las fotos en blanco y negro. El fondo blanco, con los tonos oscuros de los personajes genera una tensión dramática que a veces tiene matices expresionistas. Ese fondo aparentemente inocuo hace que los ojos del individuo -la cara en general- tomen una relevancia especial.

Los personajes.

Richard Avedon fotografió una serie de gentes que expresan en su mirada, en sus ademanes y en su vestimenta la dureza del trabajo físico; la alienación de una lucha diaria por la vida, el drama de la supervivencia.

Su inmediatez física, casi violenta, ante el fotografiado -a quien mira directamente, sin la intermediación de la cámara- le permite adentrarse en la sicología del individuo, e incluso manipularle.

En alguna medida, Avedon situó a los personajes ante el "paredón" de la pantalla blanca y los dejó inermes, herméticos, ante la cámara. Pero en su pose hierática, el retrato no deja de revelar los claroscuros de cada existencia, aunque -según expresa Avedon- "ninguna de las fotografías es la verdad".

"Según avanzaba el trabajo -dice Avedon- los propios retratos comenzaron a revelar todo tipo de conexiones -psicológicas, sociológicas, físicas, familiares- entre personas que nunca se habían conocido".

"In the American West" estaba "a caballo entre el documentalismo social y el documentalismo subjetivo". Cuando se presentó el trabajo en Estados Unidos resultó polémico. Fue recibido como una crítica al país, aunque Avedon considera que es uno de los mejores de cuantos ha realizado.

Avedon se fue cuando realizaba su ultimo trabajo, un reportaje titulado On Democracy, que incluye fotografías de políticos y ciudadanos de todo el país, ytenía como telón de fondo las elecciones presidenciales norteamericanas de este final de 2004.

GASPARD FELIX TOURNACHON

Nadar, fue el pseudónimo de Gaspard-Félix Tournachon, periodista, ilustrador y caricaturista, pero sobre todo fotógrafo francés nacido en 1820 y muerto en 1910.

Por consejo de un amigo compró una cámara fotográfica que utilizó para recoger los retratos que habrían de servir de base de las caricaturas de su obra Panthéon Nadar,1853, donde aparecieron grandes personajes de la política y la cultura del momento pertenecientes a su círculo de amistades, tales como Charles Budelaire, etc.

Nunca se planteó el retrato fotográfico como una actividad con la que ganar dinero, pues mantenía unas ideas estéticas sobre cómo realizar los retratos que le alejaban de los criterios más comerciales, pero que por el contrario lo elevaban al rango artístico. En todo momento se negó colorear los retratos, así como a practicar cualquier tipo de retoque. También renunció a la utilización de elementos de atrezzo. Nadar únicamente se sirve de la luz-modo de iluminar al modelo- y del gesto -mirada y actitud de los modelos favorecida por la relajación de los amigos fotografiados-, como elementos principales de la fotografía.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo. Ha existido una largo debate científico sobre si copiaba/imitaba la pintura, aunque parece que finalmente se ha acabado con la polémica al reconocer que si bien es cierto que Nadar seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una técnica nueva, no deja de cultivar un género artístico del que también participa la pintura.

En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado razón por la cual se prescinde de adornos supérfluos. En aras del realismo desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque buscando con ello una mayor claridad.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. En los años 1870 fue nombrado comandante de una compañía de globos aeroestáticos para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.

También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

LUIS Y AUGUSTO LUMIÉRE

los hermanos franceses Lumiére conseguirían el triunfo en 1895 con su aparato: el "cinématographe", o cinematógrafo. Éste era portátil y pesaba tan solo cinco kilogramos, frente al gigantesco "Kinetoscope" o Kinetoscopio de Edison, que requería de varios hombres para moverlo de un sitio a otro y estaba generalmente anclado al suelo en una especie de estudio.

Estas diferencias técnicas ofrecieron la posibilidad de transportar fácilmente el cinematógrafo a cualquier parte, pudiendo retratar la realidad del mundo exterior. Además este aparato ofrecía otras características muy atractivas: con solo unos pequeños ajustes se podía transformar en proyector y también en máquina de impresión.

HAURON

   Físico francés. Creó el método de impresión de grabados en colores denominado tricromo (1868), que aplicó a la fotografía. En 1891 consiguió la impresión de relieve (anaglifos) mediante la yuxtaposición de dos clichés de colores complementarios.

  
 

 

ARCHER

Frederick Scott Archer

Nace en 1813 Gran Bretaña, dedicado en principio al grabado y la escultura pronto se le despierta el interés por el mundo y proceso fotográfico del Calotipo. Empieza a trabajar con ello en 1847 para realizar fotografías a sus diseños de grabado.

Mas tarde Archer's, da a conocer su invento que revolucionaría el mundo de la fotografía, el Colodión Húmedo que era mucho más rápido que el Daguerrotipo, y con una gran ventaja respecto a la exposición, esta era mucho más corta.

Desde su muerte en 1857, se le han reconocido otros inventos fotográficos que quedaron sin patentar, o que lo fueron por otros en muchas ocasiones, lo que explica en gran parte una posible falta de recursos económicos que Archer tenía al final de su vida, para poder llevar a cabo sus investigaciones y descubrimientos.

A Archer's se le recuerda solamente, como un "caballero muy discreto, de salud pobre, con una esposa enferma y de mirada de ángel".

ABEL NIÉPCE

Químico y físico francés. Desarrolló la heliografía inventada por su tío N. Niepce y consiguió obtenerla sobre metales. Inventó la fotografía sobre vidrio, impregnado con albúmina y yoduro de plata, que permitía obtener una imagen negativa con la que, una vez fijada, se lograban reproducciones positivas sobre papel.

HIPÓLITO BAYARD

Fotógrafo francés. Realizó los primeros trabajos en Francia sobre negativo de papel y en 1839 obtuvo los primeros positivos directos sobre papel.

FOX TALBOT

Nació en Febrero de 1800, Científico y filólogo Inglés, fue uno de los pioneros en el ámbito fotográfico. Estudió matemáticas en Cambridge, pero tuvo diversas inquietudes en otros campos, como por ejemplo la botánica.

A causa de sus problemas como dibujante, se interesó por otra clase de métodos mecánicos para capturar y retener las imágenes. A través del uso de la cámara oscura y la cámara de luz, empezó sus grandes investigaciones durante su estancia de vacaciones a la orilla del lago Como.

Los conceptos de cámara oscura y cámara de luz ya habían sido desarrollados con anterioridad, pero fueron la gran base para Talbot en sus primeras investigaciones.

En 1835, Talbot consiguió plasmar en papel una galería del sur de la Abadía de Lacock. Talbot siguió sus investigaciones con papeles de plata y procesos de revelado hasta que en 1841 patentó en Inglaterra el "calotipo" y empezó la verdadera historia de la fotografía en su versión negativo-positivo.

 En 1849 presentó una nueva patente en el campo fotográfico que consistía, en utilizar la porcelana como soporte fotográfico. Talbot fue reconocido con muchos galardones, de los cuales podemos destacar los siguientes:

- La gran medalla de honor en la Expo de París en el año 1855.
- Recibió en 1864 un Título honorario por la Universidad de Edimburgo.
- Miembro honorífico de la Sociedad Fotográfica de Londres.

Su "Pencil of Nature" fue el primer libro publicado en el que se incluyeron fotografías impresas.

En 1854, Scott Archer's desarrolla el proceso conocido como "colodión" que Talbot interpreta como una derivación de su calotipo y cubierto por su misma patente.

William Fox Talbot, dedicó el resto de su vida a la impresión mecánica de fotografías. Muere en Septiembre de 1877.

LOUIS DAGUERRE

   Daguerre era un pintor de segunda fila en el París de la primera mitad del sigloXIX que había logrado un cierto éxito comercial con el invento del Diorama, un espectáculo que consistía en formar la ilusión del espectador de que se encontraba en otro lugar a través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban con un juego de luces, ruidos y sonidos, etc. para que pareciese que el espectador estuviese en diversas situaciones como una batalla, una tempestad, etc. Para que todo esto fuera creíble las pinturas debían ser muy realistas, por esta razón, a Daguerre le interesaba la aplicación de la cámara oscura al Diorama.

   Daguerre perfeccionó el daguerrotipo, del cual se conseguía una imagen a partir de una capa sensible de nitrato de plata, la cual se extendía en una base caliente de sal común, revelada con vapor de mercurio. La innovación de Daguerre consistió en sumergir la plancha en la solución, esto hacia que quedara fijada.

   Daguerre logró un reconocimiento unánime por todo el mundo, recibiendo nombramientos de academias extranjeras y condecoraciones francesas y extranjeras, ocultando los verdaderos logros de Niépce como predecesor de sus investigaciones. Poco a poco la verdad se fue conociendo y finalmente acabó reconociendo las aportaciones de Niépce.

Hasta la fecha de su muerte, el 10 de julio de 1851, en Bry sur Marne, se dedicó a la fabricación en serie de material fotográfico, junto a su cuñado Giroux, y a la organización de demostraciones en público del invento. Nada nuevo aportó a un procedimiento que por esas fechas se extendía por el mundo.

NICÉFORO NIÉPCE

 

 

En el año de 1822, Nicéforo Niepce, un químico francés, obtiene la primera imagen perdurable por medio del yoduro de plata. Usando una cámara oscura comprada a un fabricante llamado Chevalier logra, después de una exposición de ocho horas al aire libre, la imagen que desde entonces se conoce como "La mesa servida".

Posteriormente, Niepce se asocia con Daguerre, pintor y decorador, para continuar juntos experimentos con objeto de mejorar el procedimiento. Muerto Niepce, Daguerre continúa las búsquedas y descubre el "Daguerrotipo", procedimiento consistente en obtener imágenes sobre planchas metálicas impregnadas de vapores de mercurio.

Las imágenes de Niepce y Daguerre, eran obtenidas directamente en positivo, por lo tanto no podían reproducirse. Fue Henry Fox Talbot en Inglaterra, el descubridor del negativo y, por consiguiente, del sistema que permita a la fotografía su reproducción ilimitada.

 

Historia de la Fotografía...

HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA

Alhakem de Basora, describió cómo se formaban las imágenes en el interior de su tienda cuando la luz del sol se filtraba por una rendija; este efecto y otras aplicaciones que posteriormente se hicieron del mismo dieron nombre más tarde a la cámara fotográfica.

Cámara, significa habitación pequeña, receptáculo de mayor o menor dimensión, nombre que popularizó (mucho antes que existiera la fotografía) a la cámara oscura, artificio empleado para conseguir imágenes proyectadas desde el exterior de la cámara y que se dibujaban o silueteaban. Leonardo da Vinci se sirvió de ella, lo mismo que Alberto Durero, para dibujar.

Dibujar con luz es el significado etimológico de la palabra fotografía.
Fotos = luz; grafein = dibujar en griego.
La fotografía se "invento" cuando la Química y la Física evolucionaron hasta saltar el plano de la ciencia con un fundamento científico, el químico alemán llamado Juan Henrique Schultze observó que algunos compuestos de plata se oscurecían por acción de la luz y no por la intervención del calor o del aire como se creía hasta entonces. Schultze, no descubrió nada nuevo, tan sólo extrajo conclusiones de un hecho conocido desde mucho tiempo atrás. En los siglos XVI y XVII ya se utilizaba el nitrato de plata para ennegrecer la madera, el marfil, las pieles y hasta para teñir el cabello.

 

NICÉFORO NIÉPCE

La primera relación entre la imagen realizada con luz y una cámara oscura se debe a los hermanos Juan Nicéforo Niépce y Claudio Niépce. Ellos no fueron los únicos investigadores, si bien sólo ellos llegaron al "final de la etapa" apoyados en el conocimiento de las experiencias de otros experimentadores contemporáneos tales como Charles en Francia y Wedgwood en Inglaterra, los que avanzaron mucho en el desarrollo de un método para fijar una imagen a través de un medio químico, pero sin haberlo logrado en forma totalmente efectiva.

 

LOUIS DAGUERRE Y EL DAGUERROTIPO

Daguerre se servía de la cámara oscura para facilitar la labor del dibujo, pero no tuvo éxito al tratar de utilizarla a través de un procedimiento químico por lo que se puso en contacto con Niépce en
conocimiento de los avances que éste había logrado.

Daguerre se caracterizó por ser más realista e intuitivo, ensayaba fórmula tras fórmula con todo tipo de drogas hasta que observó que el empleo del yoduro de plata como sustancia sensible aceleraba la aparición de la imagen y junto con el vapor de mercurio esta imagen se fijaba con un lavado de agua caliente y sal común.
Daguerre había descubierto un nuevo procedimiento fotográfico por lo que decidió presentarlo a la Academia de Ciencias Francesa.

El proceso en cuestión no permitía ver la imagen si no era orientándola en determinado sentido; no permitía copias ni ampliaciones y por otra parte era costoso; pero estaba de moda.

 

FOX TALBOT Y EL CALOTIPO

Coincidiendo con el procedimiento de Daguerre, dos hombres anunciaron estar en posesión de métodos fotográficos muy similares. Uno era francés: Hipólito Bayard; otro, inglés: Fox Talbot.

Fox Talbot, fue el creador del calotipo, rivalizando con el daguerrotipo en forma inmediata ya que el proceso consistía en un papel corriente sensibilizado con sales de plata, yodo y ácido gálico. Del negativo obtenido se producían copias por contacto con gran facilidad y a un costo muy bajo.

 

 

EL COLODIÓN DE ABEL NIÉPCE

Puede decirse que es a comienzos de 1851 cuando se inicia la era del colodión. El primero en presentar el vidrio como soporte de una imagen negativa fue Abel Niepce, sobrino del inventor. La emulsión consistía en clara de huevo sensibilizada; por ello, el método se llamaba "a la albúmina", las placas así preparadas tenían una conservación limitada, pero más prolongada que los materiales utilizados hasta el
momento.

Las imágenes eran extremadamente nítidas y transparentes, y los positivos se
obtenían también sobre vidrios albuminados y sensibilizados. Más tarde este proceso fue perfeccionado por Federico Scott - Archer, se basaba en la utilización de una solución de algodón en alcohol y éter (llamada colodión) como vehículo de la sustancia sensible. El soporte era también de vidrio como las placas albuminadas.

El colodión y sus variantes tuvieron vigencia hasta 1880, y fue desplazado paulatinamente por un nuevo soporte: la gelatina al bromuro de plata, la que presentaba desventajas frente al colodión - menor sensibilidad - pero era menos engorroso.

 

HAURON, CROSS, LUIS Y AUGUSTO LUMIÉRE.

Investigadores como Louis Ducos du Hauron y Carlos Cross idearon un método que consistía en la impresión de tres negativos a través de filtros coloreados en rojo y azul y amarillo.

Hauron entusiasmado con los resultados, patentó el sistema omnicolor nacido al mismo tiempo que las placas autocromas de los hermanos Lumiére. La competencia de los Lumiére hizo sombra al método de Hauron hasta hacerlo desaparecer.

La fórmula de Luis y Augusto Lumiére era la más práctica y sencilla, y sus resultados lo suficientemente buenos como para alcanzar una difusión rápida.